Rencontre avec Jill Furmanovsky, photographe iconique

Tout au long de ses 50 ans de carrière, la légendaire photographe musicale Jill Furmanovsky a photographié les plus grands artistes et groupes du monde. Dans les années 70, Jill a photographié tout le monde, de Bob Marley à B.B King, des Buzzcocks à Blondie, de Led Zeppelin à Leonard Cohen, de Miles Davis à Michael Jackson, de Joy Division aux Jam, et des Rolling Stones aux Ramones, sans oublier les Clash, Kate Bush, Chic et Queen. Nico, Pink Floyd et les Who aussi. 

Dans les années 80, Jill a photographié les Cure et les Cramps, Morrissey et James Brown, et dans les années 90, Oasis, Björk, KD Lang, Jeff Buckley, Grace Jones, Siouxsie Sioux, Sinead O'Connor et Tom Waits. Au début des années 2000,, il y a eu Elvis Costello, Amy Winehouse, Florence and the Machine, et bien d'autres encore. 

En fait, il serait plus facile de parler des artistes que Jill Furmanovsky n'a pas photographié.

L'exposition de Jill Furmanovsky, intitulée "Photographing the Invisible: 50 Years of Rock Photography - (Photographier l'invisible : 50 ans de photographie de rock) sponsorisée par MPB, est désormais ouverte à la bibliothèque centrale de Manchester. Dans cette interview, Jill parle à MPB de son demi-siècle de carrière emblématique, de ses images préférées et de la façon dont l'industrie de la photographie a changé depuis les années 70. Lisez la suite de l’article…

MPB : Tout d’abord, félicitations pour ces cinquante années de reportage en photographie musicale, c'est une réussite remarquable. Lorsque vous avez commencé au Rainbow Theatre de Finsbury Park, il y a tant d'années? Est-ce que vous vous imaginez connaître un tel succès  ?

JF : Je n'ai rien pensé à l'époque, j'ai simplement été poussé à l'action par l'opportunité d'être photographe dans un domaine que j'aimais. Une fois que j'ai commencé, mon seul but était de gagner suffisamment d'argent pour pouvoir continuer pour toujours - et maintenant, c'est chose faite !

MPB : Votre appareil photo préféré a dû changer au fil des ans. Pourriez-vous nous dire avec quoi vous photographiez maintenant ? Pouvez-vous nous dire ce que vous utilisez aujourd'hui ? Et s'il y a des éléments de votre carrière auxquels vous avez été particulièrement attaché au fil des ans ?

JF : Actuellement, je photographie avec un Leica M10-P Black Chrome équipé d'un 50mm f/2 Summicron-M et d'un 35mm f/2 Summicron-M ASPH. J'utilise toujours mon ancien Canon EOS 5D et les objectifs associés, mais j'ai besoin de mettre à jour cette partie de mon kit. Pour moi, le meilleur appareil photo est celui que l'on connaît bien et avec lequel on peut simplement prendre des photos. 

Au début de l'ère cinématographique, j'ai utilisé le Pentax Spotmatic, puis le Nikon FE. J'ai ensuite utilisé le Nikon F4, puis le Nikon F5, avant de succomber au numérique en 2005. À ce moment-là, je suis passé à Canon, mais uniquement parce qu'ils étaient un peu plus avancés que Nikon à l'époque. À l'époque de l'argentique, je prenais des photos personnelles avec un Leica M6 et je travaillais en studio avec un Hasselblad 500C. J'ai également pris de bonnes photos avec des appareils Olympus. 

Aujourd'hui, je devrais peut-être essayer ou Sony, certainement un appareil photo sans miroir. La marque de l'appareil est moins importante pour moi que le fait de parler couramment son langage particulier.

MPB : Quels sont les changements les plus importants que vous avez apportés au fil des ans pour vous adapter à l'ère numérique par rapport à vos débuts, que ce soit au niveau du matériel ou de la technique ?

JF : Cela a été et c'est toujours une grande courbe d'apprentissage. Avant d'adopter les appareils photo numériques, j'ai adopté Photoshop et la possibilité de réaliser de magnifiques tirages d'archives à jet d'encre. Pour moi, c'était la révolution. 

Le fait que le sujet puisse voir ce que vous faites au fur et à mesure a des avantages et des inconvénients sur le plan psychologique. D'une certaine manière, l'ère numérique est incroyable et d'une autre, elle a tué certains aspects de la créativité en rendant les choses trop faciles et donc dévalorisées. Le Leica que j'utilise maintenant me ralentit - c'est ce que j'aime. Il y a aussi moins d'édition.  Il est inévitable qu'il y ait des changements techniques sur une période de 50 ans - il ne sert à rien de les rejeter.

MPB : Y a-t-il des artistes que vous avez préféré photographier ?

JF : Oasis est probablement mon préféré. Ils permettaient la proximité et l'intimité, et c'était une époque folle, donc une bonne combinaison à filmer. De plus, j'étais tellement expérimenté lorsque j'ai travaillé avec eux que je pouvais photographier n'importe quoi. Rien ne me faisait peur. 

MPB : Quel est, selon vous, le meilleur conseil que vous ayez reçu au cours de votre carrière ? 

JF : "Microphen, 68 degrés, neuf minutes et demie !" C'est ce qu'a crié le grand photographe Michael Putland pendant un solo de batterie, alors que nous étions dans la fosse du Rainbow Theatre.  C'était en réponse à ma question : "Comment faites-vous pour améliorer votre pellicule ? À l'époque, il s'agissait de Tri-X ou de HP5, et il n'était pas possible d'augmenter la sensibilité au-delà de 1 600 ASA [ISO]. Quand je pense que les appareils photo modernes permettent de photographier avec des ASA de 26 000 et plus, je n'en reviens pas !

MPB : Quel conseil donneriez-vous aux jeunes photographes de musique qui cherchent à percer dans l'industrie ?

JF : Il n'y a pas beaucoup d'industrie dans laquelle on peut "percer". C'est le premier obstacle. Vous devrez peut-être créer votre propre industrie. En résumé, je dirais qu'il suffit d'apprendre à être un bon photographe, un très bon photographe. Et, à l'ère du numérique, apprenez à prendre des images en mouvement et à enregistrer du son. Ensuite, suivez ce qui vous attire et voyez ce qui se présente à vous.

MPB : Vos archives impressionnantes comprennent à la fois des portraits et des photos de spectacles. En quoi votre approche diffère-t-elle ?

JF : J'ai d'abord aimé les prises de vue en direct, et j'aime toujours photographier des concerts. Se trouver dans ce mince espace entre le public et les musiciens est comme une méditation. C'est un privilège, et vous n'avez à parler à personne. D'un autre côté, prendre un portrait est un moyen d'avoir une véritable intimité, qui ne dure que quelques secondes, avec un parfait inconnu. C'est très fort.

MPB : Qu'est-ce qui vous pousse à continuer après avoir accompli tant de choses ?

JF : C'est l'esprit d'aventure et imprévisible qui continue à me faire vibrer dans la photographie. Ce que je n'aime pas, c'est éditer de grandes quantités de matériel sur un ordinateur par la suite. Il y a un énorme retard invisible dans mes archives. Les projets de rétrospective et de documentaire m'ont obligé à m'arrêter et à regarder des documents que je n'avais pas vus depuis des années. Certains de ces documents sont une révélation et sont passionnants. Cela dit, il n'y a rien de comparable au fait d'être en première ligne comme un beagle en chasse !

MPB : La photographie musicale - comme la photographie professionnelle en général - est un secteur souvent dominé par les hommes. Était-ce plus difficile pour vous, dans les années 70, de percer ? Pensez-vous que le secteur s'est amélioré depuis ? Et que pourrait-on faire de plus, selon vous ?

JF : La profession est beaucoup moins dominée par les hommes blancs aujourd'hui. Et il était temps. Dans les années 70, j'ai découvert que le fait d'être une femme présentait des avantages, mais aussi des inconvénients. Le fait d'être jeune et inexpérimentée était tout aussi difficile, et cela n'avait rien à voir avec mon sexe. On ne vous prenait pas au sérieux. 

Il y a toujours eu quelques outsiders qui ont brisé le plafond de verre - ou l'équivalent - en défiant les barrières de la race, du sexe ou de tout autre préjugé. Ce sont les personnes interviewées dans le cadre des Disques de l'île déserte et elles viennent de toutes les professions et de tous les horizons.

MPB : Pourriez-vous nous en dire un peu plus sur Rockarchive ? C'est une collection spectaculaire de photographes et de leurs images.

JF : Je suis très fier d'avoir fondé le collectif Rockarchive, qui a 25 ans cette année. Je ne peux pas dire que ce soit un "succès" en termes de lucrativité. En réalité, il aurait dû être créé en tant qu'association caritative ou ressource publique. Son objectif était d'être un portail pour la photographie rock, une archive d'archives qui pourrait être transformée en musée ou en centre d'études culturelles. Je trouve frustrant que cela ne se soit pas encore produit. Je pense que cela arrivera, mais peut-être après mon temps.

MPB : Après cinquante ans de carrière, quelle est la prochaine étape pour vous ? Vous avez une exposition rétrospective, pourriez-vous nous en dire plus à ce sujet ?

JF : L'exposition s'ouvre à la bibliothèque centrale de Manchester le 14 avril et se termine le 24 juin 2023. Après cela, j'espère qu'elle fera l'objet d'une tournée sous une forme ou une autre. J'y travaille en ce moment et c'est intimidant. Il y a tellement de matériel à prendre en compte et je veux montrer des travaux inédits chaque fois que c'est possible.  Un documentaire sur mon travail est également sur le point d'être achevé. C'est donc le moment de regarder en arrière et de célébrer les 50 dernières années. Je me sens très chanceuse d'avoir eu cette carrière. Je dirais que l'exposition met l'accent sur le fait d'être photographe, plutôt que sur le fait d'être un photographe de rock-and-roll, même si je me sens à l'aise avec ce titre maintenant. Fréquenter des musiciens est sublime, mais cela passe après le fait d'être un photographe accompli, un virtuose de l'appareil photo !

L'exposition de Jill Furmanovsky, Photographing the Invisible : 50 Years of Rock Photography, sponsoriséze par MPB et est ouverte jusqu'au 24 juin 2023 à la Manchester Central Library, à Manchester au Royaume-Uni. Pour en savoir plus sur le travail de Jill et acheter des tirages, consultez le site Rockarchive. Vous pouvez également lire d'autres interviews sur le hub de contenu MPB.