MPB trifft: Streetfotograf Craig Whitehead

Streetfotografie ist ein traditionsreiches und kontroverses Genre, das Fragen zu Ethik, Traditionen und Techniken aufwirft. Anhänger:innen des Purismus sind der Meinung, Straßenfotografie müsse in Schwarz-Weiß und mit nichts anderem als einem voll manuellen 35mm-Objektiv aufgenommen werden. Andere sagen, man könne auch in Farbe fotografieren, mit einem 50mm-Objektiv und Autofokus. In der Tat ein polarisierendes Genre.

Viele Fotograf:innen haben großartige Werke geschaffen, die sich den Konventionen widersetzen, ihren eigenen Weg gehen und in vielerlei Hinsicht das Medium neu erfinden. Craig Whitehead ist ein solcher Fotograf.

Craigs Fotos sind wunderschön koloriert, allesamt Schnappschüsse mit einem einzigartigen Sinn für Komposition und Humor. Man hat ihn mit anderen Fotografen wie Saul Leiter und Ernst Haas verglichen, die den Weg für die Farbe in der Streetfotografie geebnet haben. Craig zieht es jedoch vor, seine Aufmerksamkeit auf seine Arbeit zu richten. 

In diesem Interview sprechen wir mit Craig Whitehead – auch bekannt als @sixstreetunder – über soziale Medien, Inspiration, Farbe und Prozesse.

MPB: Kannst du dich erinnern, wann und warum du Fotograf geworden bist? Gab es  einen klassischen "Aha"-Moment?

CW: Ich war schon immer der Typ, der Dinge herstellt. Ich habe früher Modellbausätze gebaut. Ich habe viel gezeichnet, und das Fotografieren war einfach eine weitere kreative Option. Der Hauptgrund, warum ich mir eine Kamera zulegte, war, um Fotos von Freunden beim Skaten zu machen. Ich war lange Zeit Rollerblader, ich habe sogar einige Langzeitbelichtungen mit Blitz auf Film gemacht. Ich bezweifle wirklich, dass diese Fotos jemals etwas geworden sind. Aber danach – vor etwa zehn oder elf Jahren – bekam ich eine DSLR zum Geburtstag.

MPB: Wie entscheidest du, wen oder was du fotografierst?

CW: Bevor ich die Streetfotografie entdeckte, habe ich einfach fotografiert, was ich wollte, was mir ins Auge fiel. Bei der Straßenfotografie habe ich mir dann die schlechte Angewohnheit angewöhnt, eine Vorstellung davon zu haben, wonach ich suche. Das kann das, was man sieht, wirklich einschränken. In letzter Zeit habe ich mich bewusst darum bemüht und fotografiere jetzt wirklich nur noch das, was mir ins Auge fällt. Zu bestimmten Dingen fühle ich mich eindeutig hingezogen. Farbe und Licht stehen bei mir immer an erster Stelle, aber auch alles, was dynamisch ist und aus dem Rahmen fällt, ist es wert, fotografiert zu werden. Das heißt nicht, dass es ein gutes Foto wird, aber es ist interessant genug, um es zu erforschen, und führt oft zu etwas.

MPB: Es gibt viele Wechselwirkungen zwischen deinen Motiven und ihrer unmittelbaren Umgebung, insbesondere mit der Farbe. Wie wichtig ist das für dich im Vergleich zum einzelnen Motiv?

CW: Ich bin besessen von Farben, und das schon seit langem. Ich habe Illustration an der Universität studiert, wo ich mein Auge für Farben wirklich entwickelt habe. Ich war immer sehr wählerisch in Bezug auf den genauen Farbton, den ich verwenden wollte, nicht weil dieser Farbton wichtig war, sondern wegen der Beziehung zu den anderen Farben. Die Farben, zu denen ich mich beim Fotografieren hingezogen fühle, folgen denselben Ideen wie die Art und Weise, wie ich sie nachbearbeite. Ich möchte, dass die Farben im Gleichgewicht sind.

MPB: Wäre es fair zu sagen, dass Saul Leiter dich in gewisser Weise beeinflusst hat? Es ist fast so, als würdest du sein Erbe in gewisser Weise weiterführen und es neu erfinden?

CW: Er war jemand, auf den ich gestoßen bin, als ich begonnen hatte, mich mit der Streetfotografie zu beschäftigen. Ich habe mich einfach in seine Arbeit verliebt.

Die erste Person, auf die ich stieß, war Bruce Gilden. Anfangs fotografierte ich sehr weiträumig und mehr in seinem Stil, aber langsam begann ich, mit längeren Brennweiten zu fotografieren. Etwa zu dieser Zeit entdeckte ich Saul.

Inzwischen bin ich von den längeren Objektiven weggekommen, aber was mir immer in Erinnerung bleiben wird, ist Sauls Sinn für Abstraktion und sein Fokus auf Farbe und Textur und nicht auf die Menschen auf der Straße. Details, Farben, Muster und Texturen sind für mich fast immer interessanter als eine Person, die ich treffe. Ich glaube, bei Saul war es genauso.

MPB: Du hast eben erwähnt, dass du anfangs mit längeren Objektiven fotografiert hast, inzwischen aber zu einer kürzeren Brennweite zurückgekehrt ist.

CW: Es wurde zu einfach, je länger die Brennweite ist, desto mehr kann man in den Vordergrund bringen und daraus einen Rahmen konstruieren. Ich fand, dass 85-135mm so vertraut wurden, dass ich mich selbst nicht mehr herausforderte. Ich entschied mich für ein weiteres Blickfeld Brennweite, um mehr Kontext zu schaffen, aber mit einer kürzeren Brennweite ist es auch viel schwieriger, etwas Einfaches zu komponieren.

MPB: Du hast früher mit einer Fujifilm X-Pro 2 fotografiert, bist dann aber zu Leica gewechselt, was war der Grund für diese Entscheidung?

CW: Ich benutze die X-Pro 2 immer noch neben der Leica. Ich hatte einfach die Möglichkeit, eine davon zu haben, und ich habe sie nicht ausgeschlagen – und wer würde das schon? Ich benutze jetzt beide, eine mit 35mm und eine mit 50mm.

MPB: Viele Leute interpretieren die Schwarz-Weiß-Fotografie falsch. Viele verwenden sie nur, wenn die Bilder zu körnig oder verrauscht sind. Da du nicht viel damit fotografierst, hast du ein gutes Gespür dafür, wie man damit fotografiert? Ist das etwas, das du jemals weiter erforschen würdest?

CW: Ich habe Bilder in Schwarz-Weiß bearbeitet, die ich gelegentlich mit anderen teile. Das Licht in vielen meiner Fotos funktioniert gut in Schwarz-Weiß, aber ich ziehe die Szene fast immer in Farbe vor. Ich habe einige Bilder gemacht, die fast schon Schwarz-Weiß sind, die ganze Szene hat fast keine Farbe. Das bisschen Farbe, das die Szene hat, hilft, den Mangel an Farbe an anderer Stelle hervorzuheben oder die Tatsache, dass bestimmte Muster nicht nur in der Form, sondern auch in der Farbe übereinstimmen.

Für mich ist die Schwarz-Weiß-Bearbeitung eines Bildes immer die zweitbeste im Vergleich zur Farbversion. Gelegentlich habe ich eine Aufnahme, die toll wäre, wenn die Farben anders wären. Durch die Konvertierung in Schwarz-Weiß wird es zwar besser, aber ich betrachte das Foto als Fehlschlag. Ich glaube nicht, dass man etwas einfach konvertieren sollte, nur weil es in Farbe nicht funktioniert. Ich bin aber der Meinung, dass Menschen das oft tun.

MPB: Harry Gruyaert sagte über seine eigenen Bilder: "Es gibt keine Geschichte, es ist nur eine Frage von Formen und Licht". Wie sieht es bei dir aus? Gibt es eine Geschichte? Muss es überhaupt eine geben?

CW: Ich stimme der Aussage zu. Manchmal gibt es eine Geschichte – aber für mich muss es absolut keine geben. Ein Bild von einem zufälligen Gegenstand in gutem Licht und mit der richtigen Farbe gefällt mir vielleicht besser als ein Foto von jemandem, der starke Emotionen zeigt.

Ich versuche, Gesichter so weit wie möglich zu verbergen, da sie mich von den Elementen ablenken, die mich wirklich anziehen. In der Streetfotografie hat sich die jüngste Fixierung auf Momente und Menschen von der Art der Arbeit vieler alter Meister:innen entfernt. Ich finde das wirklich schade. Ich sehe ein paar Leute, die sich bemühen, zu dieser Idee zurückzufinden.

MPB: Kannst du uns ein wenig über deine Arbeitsweise erzählen, wenn du unterwegs bist? Gibt es bestimmte Bedingungen, unter denen du blitzschnell vor die Tür gehst? Erkennst du direkt die richtigen Orte und wartest so lange wie nötig auf das richtige Motiv?

CW: Cambridge ist ein kleiner Ort im Vergleich zu New York oder London. Es ist nicht gerade dafür bekannt, ein Zentrum der Streetfotografie zu sein. Um so viele Bilder wie möglich zu machen, versuche ich, meine Chancen zu maximieren – vor allem, weil ich oft in meiner Mittagspause oder vor und nach der Arbeit fotografiere.

Vielleicht notiere ich mir die Tageszeit, zu der es an einem bestimmten Ort am hellsten ist, und gehe dann ein oder zwei Wochen lang immer wieder dorthin, wenn es sonnig ist. Wenn ich auf etwas stoße, was erstes Interesse weckt, bleibe ich dort, bis ich etwas gefunden habe, denn ich weiß, dass ich keine weitere Chance bekomme. Ich versuche, zu Veranstaltungen zu gehen, die gerade laufen. Saisonale Jahrmärkte, alles, was die Landschaft ein wenig verändert – die gleiche Szenerie kann langweilig werden.

Manchmal gehe ich einfach nur spazieren, manchmal schlage ich an einem bestimmten Ort mein Lager auf, ich habe keine feste Methode. Es hängt alles von dem Potenzial ab, das ich in der Szene sehe. Wenn der Moment, den ich mir vorstelle, möglich und das Warten wert zu sein scheint, dann warte ich.

MPB: Du bist wohl am bekanntesten für deine digitale Arbeit. Warum hast du dich entschieden, neben der digitalen Technik auch auf Film zu fotografieren? Ist es der Look, der Prozess oder die Denkweise?

CW: Beim Film geht es für mich vor allem um den Prozess. Die Farben sind großartig, und sie haben einen positiven Einfluss auf meine digitale Arbeit. Der Hauptgrund, heutzutage auf Film zu fotografieren, ist, dass man dadurch langsamer wird.

Es ist leicht, sich von der digitalen Technik mitreißen zu lassen und sich zu sehr auf die Kamera zu verlassen. Ich denke, alle müssen den Punkt erreichen, an dem sie großartige Aufnahmen auf Film machen können, und dann zur digitalen Technik zurückkehren, weil sie wissen, dass die zusätzlichen Funktionen eine Hilfe und keine Krücke sind. Beim Filmen achtet man mehr auf das Timing und analysiert das Licht noch genauer. Es nimmt einem auch einen Teil der Möglichkeiten zur Nachbearbeitung. Ich liebe es, dass die Dinge in der Kamera richtig sein müssen.

MPB: Du veranstaltest viele Workshops weltweit. Stand das Unterrichten für dich schon immer auf der Tagesordnung? Findest du es erfüllend, dein Wissen weiterzugeben?

CW: Das hatte ich nie in Betracht gezogen, bis mich jemand fragte, ob ich Workshops gebe, weil er gerne von mir lernen würde. Ich habe dann aber darüber nachgedacht und hatte keinen Grund, es nicht zu versuchen.

Wissen weiterzugeben ist sehr erfüllend. Wenn ich einer Person Monate ihrer Zeit ersparen kann – Zeit, die sie sonst damit verbracht hätte, die Dinge zu entdecken, die ich entdeckt habe – dann ist das eine tolle Sache. Wenn ich sie zu einem gewissen Verständnis dessen führen kann, was sie mit ihrer Arbeit erreichen wollen, ist das sogar noch besser. Es ist sehr befriedigend, wenn eine Person kurz nach einem meiner Workshops einen Druck verkauft, einen Preis gewinnt oder irgendwo darüber geschrieben wird. Jedes Mal, wenn ich sehe, dass eine Person, die an einem Workshop teilgenommen hat, auf der Straße steht und ihre Zeit investiert und motivierter ist als zuvor, dann weiß ich, dass ich meinen Job erfüllt habe.

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Dieser Artikel ist Teil des MPB-Leitfadens zur Streetfotografie, unserem umfassenden Überblick über die Streetfotografie mit Kameraempfehlungen, Ratschlägen und Interviews mit Expert:innen.