Guida alla fotografia paesaggistica

La fotografia di paesaggio consiste nell'uscire e catturare la bellezza della natura attraverso un obiettivo. Potrebbe essere un'enorme catena montuosa, un tranquillo tratto di costa o una macchia di bosco con i raggi del sole che filtrano. Qualunque cosa ti ispiri ad affrontare la natura, fotografarla richiederà un mix di curiosità, pazienza e un po' di competenze tecniche. 

I paesaggi rappresentano uno dei soggetti classici dell’arte, con una storia profonda e ricca di tradizione, che affonda le proprie radici nella storia della pittura. La fotografia paesaggistica porta avanti questa eredità, ed è spesso il primo momento in cui le persone sperimentano la fotografia come qualcosa di più della semplice documentazione della vita quotidiana.

In questa guida alla fotografia paesaggistica, condivideremo consigli pratici e tecniche di fotografi paesaggisti esperti. Analizzeremo ogni aspetto, dalla scelta dell’attrezzatura giusta fino alla padronanza della composizione e dell’editing, così che tu sia agli inizi o speri di affinare le tue competenze, uscirai da questa lettura con nuove idee per la tua prossima uscita all’aperto. 

Il nostro fotografo interno, Connor Redmond, condividerà le proprie foto e i propri consigli sull’argomento, insieme a suggerimenti pratici di veri esperti di fotografia paesaggistica come Charlie Waite, James Popsys e Kilian Schönberger, che hanno dedicato una vita intera a questo mestiere. Presentiamo inoltre scatti aggiuntivi degli appassionati di fotografia MPB Kristi Townsend, Adam Makkai, Amy Moore, Brad Pinhorn, Charlie Richards e Ian Howorth.

Cos’è la fotografia paesaggistica?

Tradizionalmente, la fotografia paesaggistica si concentra su scene naturali come montagne, coste, foreste, valli e altri scorci all’aperto, spesso catturati in una luce particolarmente favorevole (ad esempio all’alba o al tramonto), per valorizzare la bellezza della natura. Ma le definizioni possono essere piuttosto ampie.

Per me, la fotografia paesaggistica può sembrare “facile” da affrontare in superficie, ma è infinitamente più difficile da padroneggiare davvero, e ancora di più riuscire a produrre immagini interessanti, mai viste prima. La definisco come immagini del territorio, in uno stato per lo più incontaminato. Una buona fotografia paesaggistica fa più che mostrare semplicemente un luogo; comunica un’atmosfera, una connessione emotiva. La stessa sensazione che si prova entrando nella Cappella Sistina: quel senso di stupore e meraviglia. La fotografia paesaggistica è il genere dello spettacolo.

Alcuni concorsi, come l'International Landscape Photographer of the Year, non impongono limiti rigidi su cosa debba intendersi per immagine paesaggistica. Un’interpretazione non convenzionale, che includa ad esempio strutture create dall’uomo, paesaggi urbani o persone, può addirittura giocare a tuo favore. In realtà, la maggior parte dei fotografi paesaggisti si concentra sull’ambiente naturale all’aperto. Elementi umani possono comparire per offrire una scala o un contesto, ma solitamente l’obiettivo è catturare un senso di grandiosità, tranquillità o natura selvaggia.

Un aspetto spesso trascurato della fotografia paesaggistica è che, per sua stessa natura, ti porta a trascorrere più tempo nella natura, il che può solo fare bene, in un mondo sempre più urbanizzato come il nostro. Anche se non riesci a ottenere gli scatti che desideravi, ti sei comunque immerso in tutte le meraviglie dell’aperta natura, nutrendoti di essa. Ne trarrai comunque beneficio.

Consigli per chi inizia con la fotografia paesaggistica

Quando ci si avvicina per la prima volta alla fotografia paesaggistica, è importante prima di tutto padroneggiare le basi. Queste tecniche fondamentali ti forniranno una base solida su cui costruire, rendendoti un fotografo migliore e più consapevole nel lungo periodo. 

Prendi dimestichezza con l’esposizione manuale 

Poiché la fotografia paesaggistica è un gioco lento e paziente, scoprirai che le modalità priorità di apertura e priorità dei tempi ti serviranno poco, dato che avrai molto più tempo per ottenere l’esposizione perfetta della scena (a meno che tu non ti trovi nel bel mezzo di un uragano).

Imparare l’esposizione manuale è uno dei passi più cruciali che puoi compiere nella fotografia paesaggistica, perché ti aiuta a smettere di “accontentarti” di qualsiasi risultato ti offra la fotocamera, iniziando invece a comprendere tu stesso i risultati ottenuti.

Consigli sull’esposizione nel paesaggio

L’esposizione manuale si basa sul triangolo dell’esposizione: tempo di posa, apertura e ISO. Abbiamo una guida utile proprio su questo argomento, quindi non esitare ad approfondire nella nostra guida sul triangolo dell'esposizione. Di seguito trovi un comodo schema che mostra come le tre variabili influenzano l’esposizione.

In pratica, la fotografia paesaggistica richiede spesso di decidere cosa conti di più in una determinata scena. Se vuoi una profondità di campo che copra l’intera inquadratura, dal primo piano allo sfondo, potresti dare priorità all’apertura, mantenendola tra f/8.0 e f/16. Se invece vuoi ottenere un effetto di sfocato in movimento, come nell’acqua o nelle nuvole, darai priorità al tempo di posa. Imposta poi l’ISO al valore più basso possibile, lasciando che le altre impostazioni si adattino di conseguenza. Una volta che riuscirai a prendere queste decisioni con calma, scoprirai che anche una luce complessa diventerà un enigma risolvibile.

Impara a usare l’istogramma

L’istogramma è un grafico che mostra i toni della tua foto, ed è uno strumento comune per misurare l’esposizione di uno scatto. È uno strumento utile se vuoi ottenere il massimo dettaglio e la migliore esposizione possibile dalla tua foto. Risulta particolarmente utile nella fotografia paesaggistica, per assicurarti di esporre correttamente le tue immagini, utilizzando il comune metodo ETTR.

La nostra guida agli istogramma in fotografia analizza nel dettaglio cosa sono gli istogrammi e perché utilizzarli può portare benefici alla tua fotografia.

Alcune scene sono semplicemente troppo luminose, e risulta impossibile bilanciarle (il che dimostra quanto sia straordinaria la percezione della gamma dinamica dell’occhio umano). In questi scenari, hai a disposizione altre opzioni per bilanciare l’esposizione. 

Il bracketing dell’esposizione è sempre un’opzione valida in situazioni di luce complesse, se disponi di un treppiede. Scatti più esposizioni con il treppiede, a +1 EV, 0 e -1 EV, per poi unirle in post-produzione. Molte fotocamere moderne possono farlo automaticamente per te, grazie a modalità dedicate di bracketing dell’esposizione. Si tratta però di una tecnica avanzata, che richiede una certa competenza in post-produzione. Un’opzione più semplice per chi è alle prime armi è semplicemente utilizzare un filtro ND. Vediamo qui sotto come funzionano i filtri nella fotografia paesaggistica. 

Usa i filtri per migliorare i tuoi paesaggi

I filtri possono sembrare intimidatori, perché ne esistono davvero tanti tra cui scegliere, ma sono per lo più semplicemente strumenti per controllare la luce che entra nella fotocamera. Qual è la differenza tra filtri UV, a densità neutra, polarizzatori e filtri colorati? Vediamo come sfruttare i filtri a nostro vantaggio, in particolare nella fotografia paesaggistica.

Filtri polarizzatori nella fotografia paesaggistica

Un polarizzatore (spesso chiamato filtro polarizzatore, o CPL) aiuta a ridurre riflessi e abbagliamenti, entrambi fenomeni comuni nei paesaggi. I polarizzatori riducono i riflessi su rocce bagnate o sull’acqua, aumentano la saturazione dei colori nel fogliame e intensificano i colori del cielo in determinate condizioni, rendendo il polarizzatore uno strumento versatile per migliorare la propria fotografia paesaggistica. È una componente essenziale della tua borsa fotografica. 

Usato con attenzione, un polarizzatore può aggiungere chiarezza e contrasto a un’immagine. Usato in modo troppo aggressivo, però, può rendere il cielo innaturale in modo sgradevole, in particolare con obiettivi ultra-grandangolari. Vale la pena procedere per tentativi in questo caso, osservando l’effetto. Non avere fretta.

Nell’esempio qui sopra, osserva attentamente la pozza tra le rocce in primo piano. Con il polarizzatore disattivato, noterai la classica qualità riflettente dell’acqua, come ci si aspetterebbe in una giornata luminosa. Nell’esempio con il filtro polarizzatore attivato, invece, le rocce sott’acqua risultano molto più visibili e nitide, e i riflessi vengono eliminati. Questo può creare un’immagine dalla sensazione più fluida, ma non è automatico: resta comunque una decisione creativa che devi prendere tu. Un polarizzatore influirà anche sul cielo nella tua immagine, scurendolo e aumentando il contrasto, quindi tienilo presente. Non è troppo difficile regolare il cielo in post-produzione, se dovesse risultare un po’ “eccessivo”. Non chiedermi come funzioni questa magia ottica, perché è esattamente questo: pura magia. 

Filtri ND nella fotografia paesaggistica

Un filtro a densità neutra (comunemente chiamato semplicemente filtro ND) riduce la quantità di luce che entra nell’obiettivo, permettendoti di utilizzare tempi di posa più lenti anche in piena luce diurna. Un filtro ND è uno dei filtri più comuni che troverai nella borsa fotografica di qualsiasi fotografo. Viene utilizzato quando troppa luce colpisce il sensore e, per esempio, vuoi comunque utilizzare un tempo di posa più lento. 

È così che i fotografi ottengono l’effetto “acqua setosa” e le striature nelle nuvole nei paesaggi. Osserva il cursore di confronto qui sopra e qui sotto per capire meglio cosa intendo. 

Il filtro ND mi ha permesso di utilizzare un tempo di posa molto più lungo, 20 secondi, senza bruciare le alte luci. Poiché l’otturatore è rimasto aperto così a lungo, qualsiasi movimento presente nell’inquadratura, specialmente nell’acqua, risulta reso in modo fluido e setoso.

I filtri ND aiutano anche a mantenere l’apertura nella gamma più nitida del tuo obiettivo, anche in condizioni di luce intensa, invece di dover chiudere fino a f/22 o oltre, valori in cui l’obiettivo potrebbe non trovarsi nel suo punto di massima nitidezza. Un buon filtro ND è il primo filtro che dovresti acquistare e con cui iniziare a esercitarti. Sono essenziali per gestire le condizioni di luce sul campo.

Filtri ND graduati nella fotografia paesaggistica

I filtri a densità neutra graduati, o GND in breve, sono molto apprezzati dai fotografi paesaggisti che vogliono bilanciare la luminosità del cielo con l’esposizione più scura necessaria per il primo piano.

Nell’esempio qui sopra, scattato da Ian Howorth, puoi vedere come, con il filtro ND graduato attivato, la parte superiore del cielo venga scurita, bilanciando l’esposizione con il terreno. 

I filtri a densità neutra graduati (GND) sono disponibili in versione a bordo netto (hard-edge) o a bordo sfumato (soft-edge). I filtri a bordo sfumato offrono una transizione più graduale tra la zona scura e quella trasparente. I filtri a bordo netto, invece, presentano un taglio deciso, con una transizione minima o assente tra le aree scure e quelle trasparenti. Entrambi risultano utili in scenari diversi, a seconda della posizione dell’orizzonte. 

I filtri ND graduati a bordo netto sono indicati quando l’orizzonte della scena è molto dritto e netto. Un buon esempio è la fotografia di paesaggi marini, dove l’orizzonte è costituito solo da acqua, oppure magari i campi di grano pianeggianti dell’Ohio, o i polder dei Paesi Bassi. Ovunque tu ti trovi, puoi posizionare la parte scura del filtro GND sul cielo, allineando la transizione con l’orizzonte per bilanciare l’esposizione.

I filtri GND a bordo sfumato sono indicati quando l’orizzonte della scena non è dritto e risulta più irregolare. L’effetto più graduale e sottile ne permette l’uso in molti più scenari: albe e tramonti, fotografia di foreste e paesaggi urbani possono trarre particolare beneficio da un filtro ND molto graduale; in pratica, qualsiasi scena con oggetti che spuntano dall’orizzonte. 

I filtri GND a bordo sfumato sono disponibili in diverse intensità e colorazioni, permettendoti di regolare l’esposizione con precisione. Mentre alcuni fotografi paesaggisti preferiscono effettuare il bracketing dell’esposizione direttamente in fotocamera, scattando diverse esposizioni da editare in post-produzione, molti altri cercano di ottenere il risultato corretto già durante lo scatto. I filtri ND graduati si presentano solitamente come filtri quadrati, che si inseriscono davanti all’obiettivo tramite un adattatore, ma si trovano anche in versione circolare a vite. I filtri quadrati permettono di spostarli verso l’alto e verso il basso nel supporto, cosa non possibile con i filtri circolari. Questo risulta particolarmente utile con i filtri graduati, che devono essere regolati in base alla scena che si ha davanti. 

Cerca linee e forme a “Z”

Quando componi un’immagine paesaggistica, può essere utile cercare forme implicite all’interno della scena. Un’opzione particolarmente efficace è una sottile forma a “Z” che attraversa l’inquadratura. 

Una volta che inizierai a notare questa tecnica, la vedrai praticamente ovunque. Non si tratta sempre di una linea evidente o letterale: più spesso viene suggerita attraverso strati sovrapposti, un ruscello tortuoso, un sentiero curvo o il modo in cui colline e creste si allontanano verso lo sfondo.

Una struttura a forma di “Z” guida naturalmente lo sguardo di chi osserva attraverso la fotografia, conducendolo dal primo piano allo sfondo in modo fluido e coinvolgente. Può aggiungere profondità, movimento e un senso di flusso più marcato, rendendo l’immagine più dinamica e visivamente coerente.

Scatta sempre in RAW

Se vuoi un po’ di flessibilità nelle tue immagini, è meglio scattare in formato RAW. I file RAW conservano più colore e dettaglio rispetto ai file JPEG, permettendoti di regolare l’esposizione, recuperare le alte luci e perfezionare il colore con una minore perdita di qualità durante l’editing. Perché questo è importante nei paesaggi? Perché cieli e ombre possono essere difficili da gestire correttamente, e vuoi che le tue immagini risultino credibili.

Ti consigliamo di scattare sempre in RAW come impostazione predefinita, passando al JPEG solo quando hai una ragione precisa per farlo (ad esempio, la necessità di consegnare rapidamente le foto o uno spazio di archiviazione limitato). Se stai imparando le basi, il RAW ti offrirà anche più margine per recuperare da eventuali errori, man mano che affini le tue competenze.

Tieni d’occhio la nitidezza

Se vuoi una risposta onesta su dove mettere a fuoco per ottenere nitidezza dal primo piano allo sfondo nelle tue immagini, sappi che dipende da cosa abbia senso per quella particolare immagine. Alle persone piace molto parlare di quanto un obiettivo sia nitido, e se tutto, all’interno dell’inquadratura, risulti a fuoco dal primo piano fino allo sfondo.

Una delle domande più comuni che si pongono i principianti è: dove dovrei mettere a fuoco? La risposta è semplicemente: ovunque abbia senso per l’immagine, ma ho comunque qualche metodo utile da provare, se vuoi ottenere quel dettaglio dal primo piano allo sfondo.

Una delle tecniche di messa a fuoco più affidabili consiste nel mettere a fuoco alla distanza iperfocale, il che significa mettere a fuoco un punto che mantiene nitida la maggior parte possibile della scena, da un punto vicino al primo piano fino all’infinito. È particolarmente efficace con gli obiettivi grandangolari. 

La scelta dell’apertura conta molto in questo caso; molti obiettivi raggiungono la massima nitidezza alle aperture intermedie (spesso chiamate il “punto dolce” dell’obiettivo), e chiudere troppo il diaframma può ridurre il dettaglio fine. Vale la pena informarsi sul punto dolce del proprio obiettivo, per sfruttarlo al meglio.

A differenza dei fotografi di ritratti o naturalisti, i fotografi paesaggisti solitamente non si preoccupano troppo del bokeh, l’effetto morbido e sfocato che spesso si vede dietro un soggetto. Nei paesaggi, l’obiettivo è generalmente l’opposto, perché nella maggior parte dei casi si vuole che gran parte della scena risulti il più nitida e dettagliata possibile. Questo è uno dei motivi per cui gli obiettivi di medio formato più grandi ricevono così tanti elogi negli ambienti dedicati alla fotografia paesaggistica. Possono risultare estremamente nitidi e catturare un’enorme quantità di dettaglio fine in tutta l’inquadratura. 

Tecnica avanzata: il focus stacking consiste nello scattare più immagini della stessa scena con il treppiede, ciascuna messa a fuoco a una distanza diversa, per poi fonderle insieme in post-produzione. La fotografia finale mantiene nitidezza e dettaglio in tutta l’inquadratura, senza quella morbidezza o diffrazione che può verificarsi chiudendo troppo il diaframma dell’obiettivo.

Aspetta le condizioni giuste

La pazienza è una delle competenze più preziose che puoi sviluppare nella fotografia paesaggistica, e spesso conta più della capacità tecnica o dell’attrezzatura. Trovarsi nel posto giusto al momento giusto è già metà della sfida.

A differenza di molti altri generi fotografici, non puoi controllare completamente il tuo soggetto. La luce cambierà, il meteo si evolverà, le nuvole si muoveranno, e le condizioni raramente corrisponderanno alle tue aspettative al tuo arrivo. Impara ad aspettare, continuando a lavorare sulla scena invece di correre al prossimo scatto.

Tornare in un luogo in momenti diversi della giornata, in stagioni diverse o con condizioni meteo differenti ti aiuta a comprendere come luce e atmosfera possano modellare una scena. Ogni volta che ci torni, costruirai una maggiore familiarità con il luogo, il che rende più facile anticipare i momenti giusti, piuttosto che limitarti a reagire ad essi.

Meno è (di solito) meglio

La fotografia paesaggistica trae spesso beneficio dall’avere il minor numero possibile di elementi visivi all’interno dell’inquadratura. Quando un’inquadratura contiene troppi elementi che competono tra loro, può risultare difficile per chi osserva capire cosa debba guardare per primo. Pensa a dove si posa per prima l’occhio di chi guarda, e dove poi vaga successivamente. 

È meglio ridurre una scena ai suoi componenti più forti, per rendere più facile al pubblico comprendere l’immagine e apprezzare ciò che accade al suo interno.

Eliminando le distrazioni, semplificando lo sfondo o escludendo dall’inquadratura elementi che non supportano l’idea principale, conferisci alla fotografia chiarezza e scopo. Un primo piano forte, una linea chiara o una singola area di luce possono spesso comunicare più di numerosi punti d’interesse più deboli.

Questo, naturalmente, è più difficile di quanto si possa pensare. La natura non si è certo sviluppata per offrirci composizioni immacolate e simmetriche, come in un film di Wes Anderson; anzi, è vero il contrario: è difficile trovare composizioni che siano semplici idee già pronte. Ma allenare il proprio occhio fotografico a cogliere forme e pattern ripetuti è un buon consiglio per iniziare. Se sei alle prime armi, avventurarti nella campagna vicino a casa è un buon punto di partenza. Se una scena appare disordinata dal vivo, è molto probabile che appaia allo stesso modo anche in fotocamera. Un altro modo per escludere dall’inquadratura elementi di disturbo indesiderati è utilizzare un teleobiettivo, zoomando sui dettagli dell’ambiente che ti piacciono.

Una regola che puoi darti è questa: se qualcosa nell’inquadratura non contribuisce alla “storia” o alla sensazione dietro l’immagine, vale la pena chiedersi se debba davvero essere presente. Un numero inferiore di elementi porta solitamente a composizioni più forti, a un flusso visivo più chiaro e a immagini dall’aspetto più calmo.

Come disse Ansel Adams, il padre fondatore della fotografia paesaggistica: “Non c’è niente di peggio di un’immagine nitida di un concetto confuso.”

Orizzontale o verticale? Questo è il dilemma

Decidere se scattare in orientamento orizzontale o verticale è una parte importante della composizione, ed è purtroppo una scelta che spesso viene presa troppo velocemente. Invece di affidarti sempre allo stesso orientamento di default, fermati e considera come vuoi che l’immagine finale comunichi una determinata sensazione, e come gli elementi presenti nella scena si relazionino tra loro.

Se la risposta non è immediatamente chiara, fotografa la scena in entrambi gli orientamenti. Lo faccio spesso anch’io, specialmente quando le condizioni cambiano rapidamente. Potrai sempre decidere in un secondo momento, durante l’editing.

La fotografia è un processo di apprendimento continuo, e la composizione è qualcosa che si affina nel corso degli anni di esperienza. Dovresti spingerti a riflettere in modo più consapevole su come inquadrare una scena, affinché ogni fotografia venga scattata con intenzione, piuttosto che per abitudine.

Trova un primo piano accattivante

Un primo piano accattivante conferirà profondità a una fotografia paesaggistica e un senso di attrazione visiva. I migliori primi piani sono spesso semplici: fiori, rocce, fogliame, pozze d’acqua, pattern sulla sabbia o la texture delle onde.

Trovo un obiettivo grandangolare particolarmente efficace in questo caso, perché rende gli elementi vicini grandi e immersivi, pur includendo comunque uno sfondo d’impatto.

È anche importante ricordare l’equilibrio all’interno della scena. Se il primo piano risulta troppo dominante, lo sfondo sembrerà un ripensamento secondario. Se lo sfondo è spettacolare ma il primo piano è vuoto, l’immagine può risultare piatta. Punta a creare una relazione tra i due elementi, che faccia sentire l’intera scena intenzionale.

Non avere paura dei dettagli

La fotografia paesaggistica non riguarda sempre ampie vedute mozzafiato. Le scene grandiose possono avere un grande impatto, ma alcune delle immagini più interessanti nascono concentrandosi su un singolo elemento all’interno del paesaggio, piuttosto che sul paesaggio nel suo insieme.

Isolare un soggetto, come la texture della roccia, i pattern sulla sabbia, le increspature sull’acqua, la brina sulle foglie o la luce che colpisce un singolo albero, ti permette di esplorare forma, colore e composizione in modo più consapevole.

Utilizza una lunghezza focale maggiore, oppure avvicinati al soggetto, per semplificare l’inquadratura ed eliminare le distrazioni, rendendo la tua immagine più semplice da leggere e più intenzionale.

Consigli di esperti per la fotografia paesaggistica

Ora che hai imparato le basi, è il momento di ascoltare alcuni esperti del settore. I paesaggi non sono una forma d’arte facile da padroneggiare; serve molto tempo, pazienza e un certo investimento economico per riuscirci davvero, insieme a un pizzico di fortuna. Ma può rivelarsi uno dei momenti più gratificanti che tu possa vivere, quando riesci a ottenere lo scatto che ti eri prefissato. Quando la luce è perfetta, e sei nella posizione giusta con tutto pronto, torni a casa con una sensazione di grande soddisfazione.

“Una fotografia non è un semplice scatto, è una produzione multidimensionale. Ogni singolo elemento nell’inquadratura conta. Come fotografo paesaggista, il tuo compito è notare ciò che gli altri non vedono.” - Charlie Waite 

Può essere impegnativo, ma è anche estremamente divertente, grazie all’imprevedibilità del meteo e della natura.

Trovare una buona luce nella fotografia paesaggistica

Trovare la luce che parla a te è una parte essenziale nello sviluppare il proprio stile nella fotografia paesaggistica. Puoi fotografare lo stesso luogo cento volte e ottenere una gamma di immagini sempre diverse, perché la luce cambia completamente uno scatto. Non significa sempre aspettare un’alba perfetta; significa scegliere la luce che sostiene la tua intenzione.

A proposito di fotografia paesaggistica invernale, il rinomato fotografo di foreste Kilian Schönberger osserva:

“La luce è ciò che fa davvero prendere vita alle scene, perché crea profondità e ‘plasticità’. Per questo motivo, pianificare la luce, e il suo effetto, è essenziale nella preparazione delle mie fotografie.” - Kilian Schönberger

Cosa significa in pratica “scegliere una luce che sostenga la tua intenzione”? Beh, se vuoi calore e un contrasto morbido, l’ora dorata (golden hour) è la scelta classica in termini di orario. Quando il sole è basso, la luce diventa più morbida, perché attraversa una maggiore quantità di atmosfera, venendo diffusa e dispersa. Questo la rende più dolce e meno aspra rispetto a quella di metà giornata. Un sole basso crea anche ombre più lunghe, che possono aggiungere forma alla scena, e spesso dona un bagliore delicato alle nuvole e alle alte luci.

Se invece desideri un’atmosfera più evocativa, colori più sottili e un contrasto più calmo, una luce diffusa, come quella data da copertura nuvolosa, nebbia o pioggia leggera, può fare miracoli. Riduce le ombre dure e funziona particolarmente bene in foreste, cascate e scene paesaggistiche più intime.

Poi c’è quel tipo di luce che ti fa fermare, come una luce laterale diretta che irrompe tra le nuvole dopo un temporale, raggi di sole che tagliano una valle, o la luce di una tempesta che trasforma il mare in un riflesso metallico. La maggior parte di questi momenti è difficile da prevedere, a meno che tu non presti attenzione alle previsioni meteo, impari a conoscere bene i tuoi luoghi di scatto abituali e resti sul posto quando le condizioni di scatto iniziano a cambiare. Nella fotografia paesaggistica, la pazienza spesso significa aspettare che il meteo faccia qualcosa di interessante.

Si tratta semplicemente di trovare il tipo di immagini che parlano a te. Non sei obbligato a seguire il classico percorso del tramonto, ma rappresenta comunque un buon punto di partenza per imparare. Dopotutto, tutti iniziano da qualche parte.

Sperimenta e infrangi le regole 

Una volta che ti senti a tuo agio con le “regole” della fotografia paesaggistica, dovresti provare a infrangerle, soprattutto se vuoi far scorrere liberamente la tua creatività. Per i ribelli tra voi, sarà incoraggiante scoprire che il fotografo di esterni James Popsys ama utilizzare una profondità di campo ridotta nella sua fotografia paesaggistica. In un genere che spesso incoraggia una profondità di campo elevata, si tratta di un approccio decisamente rinfrescante. Scopri di più sui consigli di James riguardo a come usare aperture ampie per paesaggi atipici. 

Fotocamere per la fotografia paesaggistica

Inizia con qualcosa di semplice: un corpo macchina compatto e un obiettivo zoom versatile. Approfondiamo l’argomento nella nostra guida alle migliori fotocamere per la fotografia paesaggistica, per rendere la tua scelta più semplice.

L’aspetto fondamentale quando si inizia è mantenere leggero il peso della propria borsa fotografica, perché non c’è niente di più scoraggiante che acquistare molta attrezzatura pesante, senza essere sicuri di come utilizzarla davvero. Finisci così per stancarti ancora prima di raggiungere la tua destinazione. Le migliori fotocamere per paesaggi offriranno un’alta risoluzione per il dettaglio di cui hai bisogno, un’ampia gamma dinamica per cieli e condizioni meteo difficili, e una tenuta stagna per affrontare il freddo e l’umidità. Molti professionisti prediligono corpi full-frame, ma per i paesaggi non hai assolutamente bisogno di un sensore full-frame; la maggior parte dei sensori moderni svolge comunque un ottimo lavoro.

Obiettivi per la fotografia paesaggistica 

La scelta dell’obiettivo conta davvero molto, non solo nella fotografia paesaggistica, ma in ogni genere fotografico. La scelta dell’obiettivo avrà un impatto maggiore sulla tua immagine finale rispetto al corpo macchina. Puoi fotografare lo stesso soggetto, ad esempio un albero isolato in un campo, da 8 mm fino a 600 mm, e ognuna di quelle inquadrature farà sentire chi osserva in modo leggermente diverso. 

Non esiste un unico obiettivo “corretto” per la fotografia paesaggistica, ma quelli più comuni tendono a spaziare tra i 16mm, molto grandangolari, e i 35mm, che si avvicinano maggiormente alla prospettiva dell’occhio umano.

Dylan Nardini, vincitore dei British Landscape Photography Awards 2021, ama utilizzare obiettivi Zeiss a messa a fuoco manuale da 21 mm e 25 mm.

Il miglior obiettivo per principianti nella fotografia paesaggistica

Un obiettivo 24-105 mm rappresenta un fantastico punto di partenza per chi inizia con la fotografia paesaggistica. L’ampia gamma focale ti offrirà grande versatilità, dal grandangolo al tele; puoi uscire a scattare con un solo obiettivo, mantenendo leggera la tua borsa fotografica. Inizia con un 24-105 mm o una gamma equivalente, scegliendo il migliore che tu possa permetterti.

Accessori per la fotografia paesaggistica

Dedicandoti alla fotografia paesaggistica di qualità, ti ritroverai spesso in luoghi tanto straordinari quanto insidiosi. È fondamentale, in quei momenti, sapere che la tua attrezzatura di supporto reggerà il maltempo e ti faciliterà nell’ottenere lo scatto desiderato.

I criteri per i migliori accessori nella fotografia paesaggistica si riducono essenzialmente a questi due fattori: durerà nel tempo, e mi è davvero utile? Non vorrai inerpicarti per chilometri in salita portando attrezzatura superflua; fidati, alla fine ti ritroverai sudato e scontento. Mantieni il tuo zaino il più leggero possibile. 

Treppiede 

Un treppiede e la fotografia paesaggistica vanno letteralmente a braccetto. Le moderne fotocamere mirrorless con IBIS possono talvolta produrre esposizioni lunghe quasi miracolose anche a mano libera, con non poche limitazioni, ma nulla batterà mai un buon treppiede robusto. Se ti dedichi seriamente al genere paesaggistico, ne avrai sempre bisogno.

Ti consiglierei il Peak Design Travel in fibra di carbonio. Questi treppiedi ci hanno accompagnato in numerosi shooting MPB, e sono perfetti quando si affrontano lunghe distanze. È straordinariamente leggero rispetto al carico che riesce a sostenere, e non dà mai la sensazione di poter cadere, anche in condizioni di vento. 

Filtri 

L’uso dei filtri ti aiuterà moltissimo a ottenere le migliori esposizioni. Se ti sei mai chiesto come si ottenga quell’effetto dell’acqua così liscia e setosa, sappi che è possibile ottenerlo solo con un tempo di posa lungo. Per riuscirci senza bruciare le alte luci, avrai bisogno di un set di filtri ND. “Occhiali da sole per gli obiettivi”, come si suol dire. 

Consiglio vivamente il portafiltri LEE100 abbinato al set di filtri a densità neutra graduata dura da 100mm. Ti permetteranno di ottenere scatti paesaggistici perfettamente esposti.

Zaino 

Probabilmente, uno degli investimenti più importanti per qualsiasi fotografo è lo zaino giusto. Il Lowepro ProTactic 450 AW II è una borsa perfetta per la maggior parte delle occasioni. Offre molto spazio senza essere troppo ingombrante, e una grande modularità, grazie ai supporti in velcro, per adattarsi alla tua attrezzatura specifica. Il Peak Design Travel 45L è un’altra opzione robusta. 

Leggi il nostro articolo sulle custodie rigide vs. morbide per viaggiare per scoprire quale si adatti meglio alle tue esigenze. Se scatti principalmente nei dintorni di dove parcheggi l’auto, un case rigido potrebbe avere più senso, ma se affronti lunghe camminate, uno zaino o un case morbido risultano la scelta più sensata.

Consigli per principianti sull’editing di foto paesaggistiche 

L’editing rappresenta il passaggio finale nel processo di creazione di un’immagine completa. Una volta tornato a casa, inizia la seconda parte del tuo processo: l’elaborazione del file RAW. Se sei come me, gran parte del tuo tempo sarà dedicata alla selezione e all’editing dei tuoi migliori scatti paesaggistici. 

L’editing delle tue foto può richiedere tutto il tempo che desideri, oppure puoi limitarti a regolazioni di esposizione di base e fermarti lì. Molte persone fanno così, il che è comprensibile quando il tempo scarseggia. Potresti trovare la fase di editing la parte più tediosa e faticosa del processo, oppure potresti adorarla. Dipende tutto dalle preferenze personali. A volte si può esagerare, e la propria immagine può risultare “sovra-editata” o innaturale, ma potrebbe anche trattarsi di uno specifico “look” che stai cercando di ottenere. 

C’è molto da dire riguardo all’editing fotografico, ma prima di addentrarci nell’argomento, leggi il nostro articolo sui migliori software per l'editing e scegli l’editor più adatto a te.

Non avere paura di ritagliare

Il ritaglio consiste nel tagliare una porzione dell’immagine per modificarne la composizione, ed è tuo amico. Non lasciare che nessuno ti convinca del contrario. Un buon ritaglio può cambiare drasticamente la sensazione trasmessa da un’immagine, e perché non sfruttare al meglio tutti quei megapixel che hai pagato così cari? 

Non deve necessariamente trattarsi di un ritaglio drastico, però; anche un ritaglio sottile può contribuire a migliorare un’immagine. Personalmente, non ritaglio spesso in modo stretto, ma utilizzo molto regolarmente lo strumento di livellamento di Lightroom come primo passo. Questo compensa i nostri limiti umani nell’ottenere un’immagine perfettamente in piano. In secondo luogo, di solito ritaglio leggermente più vicino al soggetto, o quantomeno elimino gli elementi di disturbo presenti negli angoli.

Il ritaglio è utile per eliminare parti di disturbo dall’inquadratura, come angoli o lati. Puoi anche usarlo per far sembrare il soggetto più grande, riempiendo l’intera inquadratura, così da non lasciare spazio sprecato nel tuo scatto.

Bilancia l’esposizione

Abbiamo parlato a lungo di come bilanciare l’esposizione sul campo, e dovresti assolutamente cercare di ottenerla già perfetta direttamente in fotocamera. Ma, come dice il vecchio detto, “si sistema in post” può effettivamente essere vero. Una delle principali attività che svolgerai nel tuo software di editing preferito è perfezionare e correggere l’esposizione delle tue immagini.

Qui sotto trovi un confronto prima/dopo di una semplice regolazione dell’esposizione. Durante lo scatto abbiamo protetto le alte luci, quindi ora dobbiamo alzare le ombre e la luminosità generale.

Qui sotto trovi gli istogrammi corrispondenti a ciascuna delle immagini sopra. Puoi notare chiaramente come abbia spostato l’esposizione complessiva verso i mezzitoni, il che ai nostri occhi appare complessivamente più luminoso e, a mio parere, più “bilanciato”.

Ecco le modifiche effettuate nel pannello delle regolazioni di base di Lightroom. Le ombre sono state alzate notevolmente. Grazie ai sensori mirrorless moderni, c’è una grande quantità di dettaglio nelle ombre con cui poter lavorare.

Questo è anche il momento in cui puoi sbizzarrirti creativamente e iniziare a definire il tuo stile personale, ad esempio spingendo il contrasto dell’immagine, se è il genere di effetto che ti piace. Ma se sei alle prime armi, è utile imparare prima le basi, capire cosa fa ciascun cursore di regolazione, e poi procedere da lì.

Perfezionare colore e saturazione 

Il colore nella fotografia paesaggistica è uno degli aspetti a cui dovresti dedicare più tempo e attenzione, perché ha un legame molto forte con le emozioni. È importante capire come diverse intensità e tonalità di colore influenzino la tua immagine.

Analizziamo un po’ di terminologia comune che sentirai spesso. I “colori/toni caldi” sono rossi, gialli e arancioni. I “toni freddi” sono blu, verdi e viola. Troverai tutti questi colori naturalmente quando fotografi paesaggi, ma potresti preferire un approccio più selettivo con la tua palette. Molti colori caldi nell’inquadratura possono trasmettere una sensazione più energica o emotiva, mentre i colori freddi possono rendere la foto più calma e serena. Si tratta, naturalmente, di sensazioni soggettive, ma in generale puoi orientarti seguendo queste linee guida.

Quando si tratta di editing, il tuo strumento principale per intervenire sul colore sarà lo strumento HSL, acronimo di Hue, Saturation e Luminance (tonalità, saturazione e luminanza). Eviterei il cursore della Saturazione globale, perché è uno strumento poco preciso e raramente funziona bene; è meglio essere più precisi nell’intervento sul colore. Per esempio, valorizza solo i rossi o i blu della tua scena, invece di agire uniformemente su tutti i colori contemporaneamente.

Preferirei il cursore globale di Vibrance rispetto alla Saturazione, perché agisce sui colori meno saturi dell’immagine, mettendo in risalto i dettagli nelle aree più tenui.

L’editing del colore è un argomento piuttosto vasto, ma il tuo obiettivo principale è non spingerlo troppo oltre, nel territorio dell’irrealistico. Mantieniti sobrio fino a quando non ti sentirai sicuro di ciò che stai facendo. Se vuoi approfondire ulteriormente, dai un’occhiata al nostro approfondimento sull’editing fotografico per principianti. 

Tipi di fotografia paesaggistica

Trovare la propria nicchia nella fotografia paesaggistica ti aiuterà a concentrarti su ciò che ti piace davvero, evitando di rimanere bloccato nella paralisi decisionale riguardo al soggetto da fotografare. La fotografia paesaggistica comprende molti stili diversi, ciascuno con il proprio carattere e le proprie sfide. C’è un’infinità di natura selvaggia là fuori, pronta per essere fotografata.

Aerea

La fotografia aerea offre una prospettiva a volo d’uccello, impossibile da ottenere da terra, rivelando pattern, texture e stranezze invisibili dal nostro punto di vista abituale. È diventata molto più diffusa grazie ai grandi progressi nel campo dei droni, soprattutto quelli targati DJI.

I droni hanno democratizzato la fotografia paesaggistica aerea, quindi non hai più bisogno di un elicottero o di un aereo per salire in alto. Sebbene i droni rendano questo genere più accessibile che mai, devi sempre rispettare le normative locali sui droni. Le operazioni commerciali richiedono una licenza adeguata e la conformità alle normative aeronautiche. Una volta che ti sarai informato sulle regole, abbiamo una vasta gamma di droni tra cui scegliere.

Uno degli usi più creativi dei droni nella fotografia paesaggistica degli ultimi anni è quello del fotografo specializzato in light painting Reuben Wu. Utilizza i droni per “dipingere” i paesaggi con la luce, creando scenari dall’aspetto eterale.

Astrofotografia

L’astrofotografia cattura meraviglie celesti come scie stellari, la Via Lattea, aurore boreali e altri fenomeni del cielo notturno, contestualizzati su paesaggi terrestri. Questo genere impegnativo richiede obiettivi luminosi (f/2.8 o più ampi), una buona capacità con ISO elevati e treppiedi in grado di supportare esposizioni lunghe e precise.

Tra i soggetti notturni più popolari ci sono il nucleo galattico della Via Lattea, l’aurora boreale, gli sciami meteorici e le costellazioni che sorgono su paesaggi mozzafiato.

Aurora boreale

Uno dei fenomeni naturali più distintivi è la celebre e ampiamente fotografata Aurora Boreale, nota anche come Northern Lights, visibile solo nell’emisfero settentrionale.

Consiglio: quando sei pronto a fotografare l’Aurora Boreale, usa un obiettivo da 24mm o più grandangolare, perché quasi mai riempie l’intero cielo, apparendo spesso vicino all’orizzonte. Una lunghezza focale di 24mm funziona particolarmente bene per le aurore, facendole apparire più grandiose, mantenendo al contempo le stelle come puntini precisi durante esposizioni di 15-20 secondi.

Fotografia panoramica

La fotografia panoramica consiste nel catturare più immagini sovrapposte tra loro, unendole poi in post-produzione per creare composizioni ultra-grandangolari o di dimensioni enormi. Questa tecnica permette di catturare scene più ampie di quanto qualsiasi singolo obiettivo possa vedere in un’unica inquadratura, ottenendo immagini straordinariamente dettagliate, stampabili anche in formati enormi.

Alcune fotocamere specialistiche, come la leggendaria Hasselblad XPan e la Fujifilm TX-1, scattano in un formato panoramico unico, con rapporto 65:24. Nessuna fotocamera digitale moderna può scattare nativamente in questo formato, ma sia la Hasselblad X2D 100c che la Fujifilm GFX 100 II dispongono di modalità “XPan”, che sono ritagli effettuati direttamente in fotocamera, per riprodurre il formato super grandangolare 65:24. Tieni presente, però, che queste fotocamere sono costose, quindi abbiamo individuato le migliori alternative digitali alla XPan, se desideri replicare l’esperienza di questo tipo di scatto.

Fotografare durante la golden hour

Fotografare durante la golden hour è l’arte di catturare i paesaggi durante quei periodi magici subito dopo l’alba e poco prima del tramonto. La luce calda e direzionale, tipica di questi momenti, crea ombre lunghe, colori intensi e un’atmosfera distintiva che tutti riconosciamo. Molti fotografi paesaggisti pianificano l’intero programma di scatto attorno a queste brevi finestre di luce ottimale.

Fotografare le foreste

La fotografia di foreste rappresenta quasi un genere a sé stante, dato che le foreste affascinano e ammaliano molti nuovi fotografi paesaggisti. Pensa alla luce diffusa che filtra tra le foglie degli alberi, creando texture interessanti nella corteccia e nel fogliame, e alla profondità stratificata delle scene forestali. Consulta la nostra guida per fotografare le foreste per consigli approfonditi su come sfruttare al meglio gli scenari boschivi.

Consiglio: condizioni nuvolose spesso funzionano meglio del sole intenso per la fotografia di foreste, ma anche i fasci di luce solare possono creare immagini spettacolari, dal sapore quasi rinascimentale.

Fotografia di paesaggi nuvolosi

La fotografia di paesaggi nuvolosi mette in risalto formazioni nuvolose spettacolari come soggetto principale, catturando l’interazione tra nuvole, luce e terreno.

Condizioni meteo tempestose e pattern nuvolosi particolari possono creare composizioni davvero accattivanti. Se sei un appassionato di meteorologia, questo genere di fotografia paesaggistica fa proprio al caso tuo; ricordati solo di portare con te un ombrello.

Fotografia di paesaggi marini

La fotografia di paesaggi marini riguarda interamente la linea costiera, il punto in cui l’oceano incontra la terraferma. Rallenta notevolmente il tempo di posa e trasformerai l’acqua in qualcosa di liscio e setoso; velocizzalo e congelerai un’onda nel bel mezzo dell’infrangersi, spruzzi compresi.

Comprendere le maree, i pattern delle onde e le condizioni meteo costiere aiuta i fotografi di paesaggi marini a programmare correttamente i propri shooting. Se non ti prepari adeguatamente, rischi di ritrovarti su una spiaggia deserta ad aspettare che non succeda proprio nulla.

Fotografia di tempeste

La fotografia di tempeste consiste nel puntare la fotocamera verso il cielo per catturare fulmini, tornado, uragani e nuvole, e non è certo un genere per principianti. Se questo tipo di caos ti affascina, prenditi il tempo necessario per comprendere i pattern meteorologici prima di iniziare. Avrai bisogno di attrezzatura con tenuta stagna e di una buona dose di buon senso.

Fotografia di montagna

Quando sei fuori a fotografare in montagna, vorrai portare con te il minor peso possibile e utilizzare una borsa tecnica robusta. Questo sottogenere richiede spesso uno sforzo fisico notevole, per raggiungere i punti di osservazione migliori. Una volta arrivato lì, dovrai anche comprendere come il meteo e la luce in continuo cambiamento possano influenzare le scene in alta quota. 

Domande frequenti

Cos’è la fotografia paesaggistica?

La fotografia paesaggistica è la pratica di fotografare ambienti naturali all’aperto, concentrandosi sul territorio, il meteo e un senso del luogo.

Come si inizia con la fotografia paesaggistica, se si è principianti?

Se sei alle prime armi con la fotografia paesaggistica, inizia imparando le impostazioni base della fotocamera e utilizzando un treppiede. Esercitati con composizioni semplici, con primo piano e sfondo ben definiti.

Quali impostazioni della fotocamera sono migliori per la fotografia paesaggistica?

Le migliori impostazioni per i fotografi paesaggisti sono ISO basso e apertura intermedia (circa f/8-f/11).

Qual è il miglior obiettivo per la fotografia paesaggistica?

Non esiste un unico obiettivo migliore in assoluto per la fotografia paesaggistica, ma gli obiettivi grandangolari (16-35mm) e gli zoom di gamma intermedia (24-70mm) sono i più comunemente utilizzati.

Il 24 mm è adatto alla fotografia paesaggistica?

Il 24 mm è ampiamente considerato una delle lunghezze focali fisse più versatili per la fotografia paesaggistica. Offre un buon equilibrio tra la prospettiva del primo piano e quella dello sfondo.

Serve un treppiede per la fotografia paesaggistica?

Un treppiede non è essenziale per la fotografia paesaggistica, ma migliora notevolmente la nitidezza, permette esposizioni lunghe e aiuta in condizioni di scarsa luminosità.

Dove bisogna mettere a fuoco nella fotografia paesaggistica?

Nella fotografia paesaggistica, molti fotografi mettono a fuoco utilizzando la distanza iperfocale, per mantenere nitidi sia il primo piano che lo sfondo, oppure utilizzano il focus stacking quando il primo piano è molto ravvicinato.

È meglio scattare foto paesaggistiche in RAW o JPEG?

Quando si scattano foto paesaggistiche, il RAW è il formato preferibile, poiché conserva più dettaglio e offre maggiore flessibilità in fase di editing.

Cos’è il focus stacking nella fotografia paesaggistica?

Il focus stacking è il processo di combinazione di più foto scattate a distanze diverse, per ottenere una maggiore nitidezza complessiva.

È meglio l’orientamento orizzontale o verticale per i paesaggi?

Sia l’orientamento orizzontale che quello verticale possono funzionare bene nella fotografia paesaggistica. L’orientamento orizzontale si adatta a scene ampie, mentre quello verticale è spesso più indicato per primi piani forti, linee guida o soggetti verticali.

Qual è il momento migliore della giornata per la fotografia paesaggistica?

Il momento migliore della giornata per la fotografia paesaggistica è la golden hour, il periodo subito dopo l’alba o poco prima del tramonto, quando la luce del sole è morbida, calda e bassa nel cielo.

Qual è la differenza tra fotografia naturalistica e fotografia paesaggistica?

La differenza tra fotografia naturalistica e fotografia paesaggistica sta nel fatto che la prima si concentra su fauna selvatica e soggetti naturali, mentre la seconda si concentra su luoghi, ambienti e paesaggi nel loro insieme.